来源：艺术商业

作为一年一度的时尚盛宴，大都会博物馆选取了设计师川久保玲作为 2017 年 Met Gala 的主题。展览展出了其自 1980 年代早期至 2017 年的 140 多件最具有代表性的设计单品。这也是大都会博物馆自 1983 年伊夫·圣罗兰之后第二次为在世的服装设计师办展。大都会博物馆服装部门每一年都通过展览将公众引入到对于时尚与艺术的思考，到底时尚是不是艺术？什么样的时尚才能走入博物馆的殿堂，或许，川久保玲的这次展览给了我们问题的答案。

▌走入大都会博物馆，可能会有点恍惚，这到底是百货商店还是博物馆的一场艺术展览？毕竟二者结合起来没有任何的违和感。煞白的墙体、透亮的灯光，衣服被摆在了一个个精心打造的“建筑物”中，它让你想起了舞台，也让你想起了肯贝尔艺术博物馆的拱顶，透亮的灯光，衣服被摆在了一个个精心打造的“建筑物”中，它让你想起了舞台，也让你想起了肯贝尔艺术博物馆的拱顶，它们好像在集体召唤着观众的目光：来看看这些精美的衣服吧，它们的面料是如此的奇特，它们的形状是如此的怪异，它们的细节是如此的精美……是的，就像设计师川久保玲说过的：她不想解释她的工作，她喜欢让衣服为自己说话。

展览现场 | Met Museum 

▌策展人安德鲁·博尔顿几乎是用“焦虑”一词来形容他开始筹划这场展览时的心态，毕竟这是大都会博物馆自 1983 年伊夫·圣罗兰之后，第二次为在世的服装设计师办展。而对于川久保玲来说，这次展览无疑也是第一次为她几十年来的设计生涯进行学术性的诠释。

展览现场 | Met Museum

▌一如川久保玲设计中所透露出来的反叛、特立独行、莫可名状，策展人也用了一种貌似模棱两可的方式来结构整个展览。展览中的140多件物品被分为9个相互矛盾而又联系的主题：不存在／存在（Absence/Presence）、设计／非设计（Design/Not Design）、时尚／反时尚（Fashion/Anti-Fashion）、模本／多样（Model/Multiple）、高／低（High/Low）、彼时／现在（Then/Now）、自我／他者（Self/Other）、客体／主体（Object/Subject）和服装／非服装（Clothes/Not Clothes）。

“Order/Chaos”混乱与秩序 部分

▌纵观整个展厅，并没有多余的附加的文字解释，如果观众想要了解更多，则可以另外取阅一本小册子。博尔顿认为川久保玲的艺术是广阔的，对于她的衣服，人们常觉得难以辨认，“它们呈现于实体或是边界之间的空间，这个空间建构了某种视觉的含混与飘忽不定”，而这也是主题“居于其间的艺术”的由来。

粉裙来自2014春夏系列

▌出生于 1942 年的川久保玲是东京庆应大学一位教授的女儿，最初是女承父业，从美学专业毕业。她开始时在一家丙烯纤维工厂的广告部任职，早期所积累的面料专业知识激发起了她对不同种类面料的兴趣，不久之后，她便成为一名自由款式设计师。1973 年，她成立了名称为“Commedes Garcons”的服饰品牌。

年轻时的川久保玲

▌真正让她声名鹊起的是1981年在巴黎的服装展，在那次展览上，川久保玲带来了一场全黑的展览，她设计的衣服衣衫褴褛，选用的模特邋遢不堪，彼时，时尚界仍然习惯于用性感、妩媚这些特征来强调女人所应该拥有的女性特质。而川久保玲却另辟蹊径，她所设计的衣服实在是无法与传统意义上的美挂上钩。从此以后，她的衣服便有了一个“乞丐装”的称号，并一举引领了20 世纪80 年代破碎、宽松、支离、不规则等设计的潮流。

川久保玲为 Comme des Garçons 品牌设计Inside Decoration, 2010～2011 年秋冬系列

摄影：Craig McDean

▌如果说她因为1981年的这场秀被人熟知，那么1997年，她在“Body Meets Dress，Dress Meets Body”（身体遇见服装，服装遇见身体）的秀上则利用服装进行了一场关于身体的演绎和探讨。在这些衣服上，凸起着一个个或扭曲或膨胀的填充物，它们看起来就像是模特身上长出的瘤块，那么的让人不适。然而就像她自己所说的：“体形造就服装，服装改变体形。”诚然，随着文化的发展，身体早就脱离了它原本的界定、局限与规定，在艺术的范畴中，身体往往被艺术家看作是一种艺术表现的媒介，川久保玲正是通过这样的方式来表达她对于身体的独特思考。在她看来，她只想做强而有力的设计—不去设计衣服，而是设计身体。

川久保玲为 Comme des Garçons 品牌设计 The Infinity of Tailoring,2013～2014 年秋冬系列

摄影：Collier Schorr

▌对于日本设计界来说，川久保玲可谓是一个例外，她与山本耀司、三宅一生等日本设计大师齐名，但是却从来没有接受过正统的服装学院的训练，也从来没有去西方留学，全盘洋化。但是，人们又很难在她的作品中看到日本民族特性的元素存在，她古怪、前卫、叛逆，仿佛骨子里自带着一股血液。正如她在一次采访中说道：“我至死也是个像青少年一样喜欢‘违法乱纪’的成年人。”

▌在2016～2017年的秋冬系列中，川久保玲又为朋克进行了一场革命性的诠释。在这一系列中，花朵元素主宰了每一件作品，从层叠的裙摆到盔甲式的外套，再到不合比例的胸衣上都被花朵图腾所掩盖，你很难想象这种甜腻的元素如何与朋克契合无见。然而作品中，我们却着实能感受到朋克所具有的那种反叛和不羁，而川久保玲则无愧为一个天生的朋克。

川久保玲为 Comme des Garçons 品牌设计18thCentury Punk ，2016～2017 年秋冬系列
摄影：Paolo Roversi

▌创立于1971年的Met Gala由纽约大都会艺术博物馆时装学院举办，而这也是大都会唯一一个需要自筹资金的策展部门。这场被称为时尚界奥斯卡的慈善晚宴除了承担为部门筹集资金的使命外，也通过一次次展览将公众引入对于时尚与艺术的思考，时尚到底是不是艺术？怎么样的时尚才能呈现在大都会的展馆中？

展区一角| Met Museum

▌策展人博尔顿认为：时尚的历史只造就了少数的设计师，他们不仅是自己的主人，而且还定义和重新定义了他们所处时代的美学，而川久保玲无疑是其中之一。事实上，一部关于时尚的历史也是一部关于身体、关于反叛的历史，可可·香奈儿将“五花大绑”的女装推向简单、舒适的设计；伊夫·圣罗兰打破了时装习俗中关于出身高贵和富有教养的限定；玛丽·奎恩特让全世界的少女都穿上性感的迷你裙……

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